Manuel du peintre. La pratique de la peinture:
les principes esthétiques, la méthode, le travail, les techniques, les manipulations...
À l'usage de tout quiconque s'intéresse aux arts plastiques ou souhaite enrichir son existence d'une dimension créative.

- L'état d'esprit indispensable pour le créateur et le spectateur .
Pour mener à bien un travail créatif, il est nécessaire d'entretenir un esprit d'ouverture et de disponibilité permanente, ce qui signifie qu'il faut se libérer des peurs sournoises et des certitudes figées qui nous paralysent, se détacher des inévitables opinions formulées par tous ceux qui ne savent rien du langage des formes, être curieux de ce que les autres artistes font et s'informer sur tout ce qui touche aux formes d'expression plastique, mais aussi sans doute à tout ce qui se passe dans le monde, car l'artiste ne mettra jamais dans son oeuvre que ce qu'il aura compris et qu'il porte en lui.
Le sujet véritable de tout tableau, c'est d'abord l'artiste lui-même. Son oeuvre est dans son écriture, sa façon de ressentir et de décrire le monde.

Il est fondamental, si l'on veut être vrai et en accord avec soi-même, de peindre pour soi et non pour plaire aux autres. Être fidèle à soi-même est un devoir qui est sans rapport avec l'égoïsme. Peindre pour les autres, c'est se lancer dans une décevante aventure de séduction; personne ne plaira jamais à tout le monde. Sacrifier son travail à l'audimat, c'est se garantir une production ordinaire et impersonnelle, qui séduit peut-être certains mais ne surprend pas, qui sécurise mais n'interroge pas, qui décore comme le ferait un pot ou une potiche mais n'apporte rien à l'esprit du spectateur.
Un tableau, si réaliste soit-il, doit contenir davantage que ce qu'il est sensé représenter, il doit révéler des aspects que le regard distrait ne perçoit pas, il doit émettre des échos qui atteignent les sommets de l'âme et parler à la pensée plutôt qu'à l'oeil. Le rôle de l'art n'est pas de décorer mais de témoigner, de lutter contre l'immobilisme, de faire bouger l'homme et le monde.
L'art qui n'est tourné que vers lui-même, qui ne s'interroge que sur son propre langage est atteint de nombrilisme et sert peu l'évolution de la pensée si on ne peut établir de correspondances entre son vocabulaire formel et le contexte historique.

Questions futiles et agaçantes pour l'artiste, à éviter si on veut entrer en résonance avec le contenu d'une oeuvre d'art :

- combien de temps a-t-il fallu pour faire ça? Questions mille fois entendue et toujours sans réponse. Ce n'est pas le temps de réalisation qui confère une quelconque valeur à un tableau. On peut passer sa vie entière à réaliser un projet et complètement le rater. D'autre part, certaines formes d'expression artistique sont exécutées de plus en plus rapidement au fur et à mesure que l'artiste acquiert de la maturité et de la maîtrise. La valeur intrinsèque d'une oeuvre d'art est d'ordre qualitatif, s'inquiéter de ses aspects quantitatifs est une aberration typiquement occidentale et contemporaine qui empêche de saisir l'essentiel.
Si je réponds que j'ai mis un mois pour peindre un tableau ça ne signifie rien car je n'ai pas compté les heures ni chronométré les secondes.

- est-ce que ça vaut cher? Autre questionnement quantitatif qui ne devrait intervenir qu'en cas d'éventuelle intention d'acquisition. Le prix d'une oeuvre dépend de l'offre et de la demande. On a vu des galeries et des marchands d'art gonfler artificiellement la cote d'un peintre ou d'un sculpteur, avec le risque de voir celle-ci s'effondrer quelque temps après. L'attitude de l'acheteur investisseur est purement mercantile et n'a rien à voir avec les motivations du véritable amateur d'art.

- qu'est-ce que ça représente? La question est souvent posée devant une oeuvre abstraite or, puisque l'oeuvre est par définition abstraite n'a évidemment aucun sens. Mais on l'entend aussi dans le cas d'oeuvres simplement suggestives ou au contenu énigmatique, Si elles sont suggestives, le spectateur a le droit d'y projeter son propre ressenti, si elles sont énigmatiques, il est vain de vouloir en déflorer le mystère car ça lui ferait perdre tout son sens et sa raison d'être. Devant un portrait ou un paysage réalistes, ce qui est représenté apparaît généralement de manière évidente et le titre figurant dans le catalogue suffit à satisfaire la curiosité du questionneur.
Plutôt que de se poser cette question, il serait plus judicieux de s'enquérir des sources d'inspiration et des intentions qui sont à l'origine de la création.

- Et pour clore ces citations clichées, deux petites phrases injurieuses pour un artiste qui a mis son coeur et ses tripes à exprimer quelque chose qu'il estime essentiel:

- c'est beau, on dirait une photo.

- et bien plus accablant encore: votre tableau irait bien avec mes rideaux...

Croyances et formulations parasites à dépister et à éliminer si on souhaite entamer ou poursuivre une démarche créative:

- Je n'y arriverai pas. J'ai déjà essayé, je sais que je n'y arriverai pas.

- Je ne serai jamais capable de faire ça.

- Je n'oserais jamais... J'ai peur de...

Une astuce, lorsqu'une telle croyance a tendance à se présenter, affirmez son contraire et surtout, croyez au progrès possible, pas après pas. Dites:

"J'y arriverai, si ce n'est pas cette fois, ce sera après quelques expériences qui m'aident à comprendre et donc à progresser". "J'ose, je ne risque pas de me casser une jambe, seulement de devoir corriger". Etc.

En souhaitant que ce manuel du peintre amène l'amateur à dépasser toutes ces réserves et à avancer avec confiance.

- Le style, qu'est-ce que c'est ? Il est utile ici de distinguer le style d'une époque et le style personnel.
Le style d'une époque révèle des caractéristiques propres aux mythes et aux paradigmes d'un moment historique particulier. C'est ainsi qu'on peut facilement distinguer une oeuvre baroque d'une oeuvre classique, le classicisme du romantisme, etc. malgré les spécificités stylistiques de chaque artiste appartenant à ces courants. Lorsque le mythe est particulièrement puissant il est aussi unificateur, le style personnel n'y trouve pas ou peu de légitimité. Il est édifiant à cet égard de considérer par exemple l'Egypte ancienne. Pendant une période de plus de 2500 ans elle a présenté une continuité mythique et stylistique remarquable, simplement parce que le mythe religieux cimentait et structurait la société et l'art qui en manifestait la présence dans la vie quotidienne.

Exemples ci-dessous, un peu plus de 3000 ans séparent ces deux oeuvres. A gauche, la palette de Narmer, à droite le temple de Denderah avec Cléopâtre et Césarion, un exemple typique de ce que l'on peut appeler le "style d'époque". L'individu s'efface au profit du collectif, l'expression de l'égo au profit de la transmission du mythe unificateur.

Lorsqu'au Moyen-Âge le mythe chrétien était à son apogée, les mêmes caractéristiques stylistiques se retrouvaient dans les oeuvres des peintres et sculpteurs. Il faudra attendre la Renaissance anthropocentrique pour voir apparaître des caractéristiques révélant de manière limpide la personnalité de l'artiste.
Face aux productions artistiques contemporaines, il est intéressant de se demander quels sont les mythes de notre époque qu'elles révèlent, ceux qui alimentent les valeurs qui conduisent le monde ainsi que la profusion actuelle des formes artistiques, cette atomisation des courants d'expression, ce chaos des références esthétiques pour décider ce qui est art et ce qui ne l'est pas. A chacun de poursuivre son propre questionnement sociologique.

Le style personnel révèle aujourd'hui l'importance prise dans notre société occidentale par l'individualisme , certains diront l'égoïsme. Il y a autant de styles qu'il y a d'artistes et les courants qui les rapprochent sont légions.

Les deux tableaux ci-dessous datent de la fin du XXème siècle, ils ont donc été peints à la même époque. Les différences qui les distinguent sont innombrables.Le style d'époque s'est effacé au profit d'un style personnel. S'il était possible d'y découvrir des points communs, ce serait en poursuivant une réflexion d'ordre psychologique ou sociologique. Tapiès à gauche est considéré par beaucoup comme un peintre contemporain majeur. Verlinde, en digne héritier de Bosch et Cranach, se situe dans la tradition de l'art fantastique. A chacun de décider de ses préférences...

Antoni Tapiès

Claude Verlinde

Le style personnel est l'écriture du peintre, sa manière toute particulière de s'exprimer et qui le distingue de son voisin ou de son confrère. Lorsqu'un enfant apprend à écrire, il forme des caractères dont la graphie est soumise au même modèle d'écriture, chaque enfant dessine les lettres approximativement de la même manière. Progressivement, avec la pratique, l'enfant affirme des spécificités qui finissent par rendre son écriture toute personnelle.
Il en va de même avec la pratique artistique. Lorsque nous étions enfants, nous avons tous dessiné les mêmes maisons, les mêmes arbres, oiseaux, fleurs, chats, poissons, soleil, nuages, etc. en se référant aux mêmes clichés schématiques. L'artiste débutant reste encore très dépendant de la symbolique lentement mise au point depuis ses deux ans jusqu'à sa douzième ou treizième année. Son cerveau est encore tout imprégné de schémas clichés qui l'empêchent de voir juste ou de créer des formes originales. C'est la pratique régulière, qu'elle soit guidée ou en solitaire, qui permettra au style personnel d'émerger en tant que libération de tous ces encombrants lieux communs, pour estampiller l'oeuvre d'une marque authentique et individuelle. Ce manuel du peintre a aussi pour but d'aider l'amateur à y parvenir.

Visite de "Mon Louvre"

Sommaire

- Figuratif ou abstrait? Les premières abstractions datent maintenant de presque cent ans (vers 1910), on peut s'étonner que la question concernant sa valeur se pose encore parfois avec la même acuité qu'aux tout débuts. Les raisons peuvent être multiples. Soit que le public ou les artistes qui s'y opposent ne sont pas parvenus à entrer dans ce langage par manque d'initiation et d'approfondissement ou que leurs certitudes obtuses tiennent lieu de cadenas à toute ouverture vers tout ce qui n'entre pas spontanément dans la sphère de leurs références. Soit que la sensiblité, pour entrer en résonance avec une oeuvre peinte reste dépendante de la représentation des apparences extérieures des choses. Soit encore que la peinture abstraite serait une fumisterie qui aurait berné artistes, théoriciens et spectateurs pendant plus d'un siècle. Ce combat semble bien en être un d'arrière garde car depuis les débuts de la peinture abstraite, l'art a pris des directions qui se situent bien ailleurs que dans cette alternative, par exemple avec le dadaïsme, le surréalisme, le pop' art, le land art, l'art conceptuel, minimaliste, etc. Dans les domaines de l'art, les intégrismes intellectuels du côté des adversaires comme des partisans de l'une ou l'autre forme d'expression sont légions et ne manquent pas d'ayatollahs. Il est toujours plus confortable de se persuader qu'on détient la vérité que de continuer à s'interroger. M'efforçant de rester à distance de tout intégrisme, qu'il soit intellectuel ou religieux, je ne peux que donner ici ma propre réflexion face à cette question. Il faut d'abord constater que l'art abstrait n'est pas monolythique, les tendances sont multiples, mettant tantôt l'accent sur le vocabulaire plastique pur (Kandinsky...), tantôt sur sa nécessaire épuration (Mondrian, Malevitch...), tantôt sur une dynamique expressive (Matthieu, l'action painting...), etc. Définir l'art abstrait n'est pas une chose simple, aussi laissons à Michel Seuphor, son théoricien le soin de le faire pour nous: "J'appelle art abstrait, tout art qui ne contient aucun rappel, aucune évocation de la réalité, que cette réalité soit ou ne soit pas le point de départ de l'artiste". Gageons que cette définition ne satisfera pas tout le monde, d'autant plus que chacun des termes utilisés demanderait lui même à être défini. Qu'est-ce par exemple que la réalité? Est-ce seulement ce que je vois ou crois voir, c'est-à-dire l'extérieur, la superficialité des choses? Une émotion, une pensée ne sont-elles pas tout aussi réelles? Est-ce également ce qui existe mais que je ne vois pas, comme une bactérie ou une forme d'énergie, une onde? Une formule issue des mathématiques ou de la physique quantique fait-elle partie de la "réalité"? La réalité ne concernerait-elle que les phénomènes qui tombent dans le champ étriqué de nos sens ou des machines qui n'en sont que le prolongement ??? Ma première question est donc: qu'est-ce qui est abstrait, qu'est-ce qui ne l'est pas? Un carré, un rectangle(1) comme ci-dessus sont-ils abstraits ou non, une ligne droite horizontale(2) est-elle abstraite ou pas? En principe, ces figures ne désignent qu'elles-mêmes, mais si je les associe(3), puis-je encore affirmer que la figure qui en résulte est encore abstraite? La composition ci-dessous à gauche est-elle abstraite ou ne l'est-elle pas? Si je m'en réfère à la définition de Michel Seuphor, je constate qu'il est difficile pour une forme d'échapper à toute évocation de la réalité objective puisqu'une horizontale dans un cadre évoque aussitôt l'horizon. Si je peins la partie du haut en bleu et celle du bas en brun, j'obtiens un "paysage", l'évocation bascule dans la représentation. Que dire si j'ajoute un cercle dans le "ciel"? De ceci on peut au moins conclure qu'il est difficile de ne rien évoquer puisque notre cerveau travaille volontiers par associations nourries par ses expériences, et qu'il ne suffit pas d'être capable de représenter quelque chose pour faire oeuvre d'art.

On pourrait alors et à juste titre se dire que représenter est une chose et bien représenter en est une autre et donc, que pour être un artiste, il suffit d'être habile dans la représentation fidèle de la réalité objective. Mon expérience dans l'apprentissage du dessin d'observation me fait dire que ceci est également faux. J'ai vu beaucoup d'étudiants maladroits devenir capables de réaliser de très fidèles dessins d'observation mais qui ne seront jamais artistes, tout au plus de fort habiles reproducteurs. Contrairement à un lieu commun fort répandu, reproduire fidèlement un sujet n'est pas difficile; toute personne moyennement intelligente et suffisamment persévérante est capable de le faire. Il suffit de comprendre comment REGARDER et VOIR, enregistrer ce qu'on a sous les yeux et le percevoir sans passer par les représentations mentales mentionnées ci-dessus et qui parasitent le regard. Et cela, très peu y ont été entraînées. Pourtant, les moyens existent, je les ai rencontrés... Témoins les deux exemples ci-dessous extraits du livre de Betty Edwards "Dessiner grâce au cerveau droit", éditions Mardaga. Ces deux dessins ont été réalisés par le même étudiant qui n'était pas artiste. Un an les sépare. Le modèle est le même. Le garçon s'est défait de ses représentations clichées pour apprendre à regarder et à voir vraiment. Après un an, son dessin est devenu fort habile, mais il n'est pas plus celui d'un artiste que tous les portraits réalisés pour les touristes dans toutes les villes et lieux pittoresques. Une oeuvre d'art, c'est autre chose que de la reproduction ou de la représentation. Une autre nuance doit être apportée lorsqu'on souhaite opposer l'abstraction à la figuration. Un artiste qui structure sa composition aussi réaliste soit-elle, suit une démarche abstraite. Composer, dans son intention fondamentale, n'est pas figurer, ni représenter, ni évoquer, c'est distribuer, organiser des masses, des proportions en fonction d'une intention précise. La figuration viendra éventuellement se greffer dans ces masses, peut-être pas, mais la répartition relève d'une démarche totalement abstraite. D'autre part, comme cela a été écrit ci-dessus, un artiste qui dessine un oeil, une bouche, un arbre ou quoi que ce soit d'autre, veille à la qualité formelle de ce qu'il veut représenter. Reproduire ne suffit pas pour assurer la qualité esthétique de son dessin, or, une forme peut présenter de grandes qualités en soi, qu'elle soit figurative ou abstraite. Il est révélateur à cet égard qu'en peinture, tout est forme, les pleins comme les espaces entre les objets représentés, les "vides", or, si les pleins sont facilement reconnus comme formes, on oublie souvent que les vides le sont tout autant et qu'ils ne correspondent à rien de figuratif, ce qui signifie qu'ils sont abstraits. Un artiste sensible à la forme est très attentif à faire dialoguer deux contours qui se font face, de telle manière qu'une relation dynamique s'établisse entre les deux et que la forme qui se dégage présente des caractéristiques plastiques. Delacroix Matisse Les deux exemples ci-dessus démontrent la préoccupation de deux artistes pour les espaces vides, c'est-à-dire pour des formes abstraites. Chez Delacroix, ces nombreux espaces fort variés révèlent une richesse d'arabesque digne des abstraits les plus préoccupés par l'élégance formelle. Même remarque pour Matisse. En art il n'y a pas de pleins, il n'y a pas de vides, il n'y a que des formes. Voir un exercice d'observation des vides >>>>> Ce qui se rapporte aux contours concerne tout autant les couleurs ou les matières. Une harmonie de couleurs peut être belle en soi, indépendamment de ce qui la constitue, elle peut être vivante, émouvante, sans qu'il y ait référence nécessaire à une quelconque réalité extérieure. Réciproquement, la réalité extérieure nous émeut quand elle révèle des aspects d'elle-même qui la transcendent et qui s'ajoutent à la représentation conventionnelle. Pourquoi pourrions-nous admirer un bouquet de fleurs grâce à une subtile harmonisation des couleurs et des formes et rester indifférents à la même harmonie s'il s'agit d'une toile abstraite? Selon moi, la querelle entre figuratifs et abstraits est un combat futile qui ne révèle que l'incapacité des uns et des autres à s'ouvrir au regard et à la sensibilité de l'autre. L'artiste choisit une voie plutôt qu'une autre parce que c'est celle qui lui convient et s'il choisit la voie de l'abstraction, ce n'est pas comme on l'entend parfois, parce qu'il serait incapable de bien "dessiner", sous-entendu de reproduire avec fidélité la réalité objective, ce qui n'est qu'une conception fort approximative du dessin. On voit d'ailleurs régulièrement de nombreux artistes passer de l'une à l'autre avec le même bonheur. Kandinsky souhaitait faire de la peinture un équivalent de la musique. La musique ne représente rien et c'est sans doute l'art le plus subtil, certainement celui qui suscite le plus d'émotion. Le vocabulaire musical rejoint souvent celui des arts plastiques démontrant que l'expression de l'un est proche de celle de l'autre: harmonie, accords, tonalité, dominante, sensible, couleur, climat... Pourquoi un tableau ne pourrait-il nous toucher indépendamment de ce qu'il représente, seulement en fonction de ce qu'il contient comme ingrédients propres, à savoir des couleurs, des formes, des mouvements, des ombres et des lumières, des matières... tout cela étant vecteur d'émotions et de pensée, parfois avec plus de profondeur et d'intensité que la figuration?

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