Les préoccupations d'Anthony ont beau ne pas être les miennes (au vu du thème des chansons et selon le titre de l'album, il voudrait être une femme), j'ai été touché par ces titres.
En général, ce sont des femmes (Feist, Kelly deMartino, Emiliana Torrini) qui apportaient la douceur indispensable, mais ici c'est Anthony qui crée un spleen à faire pleurer les pierres. C'est tout simplement beau et qu'importe si le cholesterol pointe le bout de son nez de temps en temps (Fistful of love).
Si la qualité moyenne est très bonne, certaines mélodies sortent du lot cependant (For today I am a boy, Man is the baby, l'imparable slow You are my sister).
Le procédé des chansons (orchestrations basées sur le piano, quelque part dans les moments apaisés de Tim Buckley) est vite compris et aurait pu lasser si l'album n'était aussi court. Mieux vaut picorer cet album que le dévorer de toute façon. L'automne est là et il faut engranger les disques doux pour passer l'hiver au chaud. En effet, je ne pense pas qu'il aurait convenu pour égayer vos barbecues. (M.)
Certains morceaux sont tellement recyclés dans des jingles (Red alert) qu'on ne savait même plus d'où ils venaient. Les titres les plus connus étant regroupés au début, l'attention chute en cours d'album et certaines scories (Fly life, Do you think, Bingo bango) viennent contrebalancer les classiques Red alert, Romeo et good luck. Loin des recherches sonores, des expérimentations et de la variété de Death in Vegas, Chemical brothers et autres Vitalic mais aussi loin de la prétention de Daft punk, la musique de Basement Jaxx est essentiellement festive, quitte à paraître à la limite de la lobotomie parfois. Allez, Let's get retarded! (M.)
La musique de 2005 comprend une infinie variété de nuances entre la musique électronique et le pop-rock. Il y en a pour tous les goûts, toutes les variétés ont au moins un représentant. Pour caricaturer, on est ici dans le versant pop-un-peu-musclée-et-synthétique. Et d'un point de vue purement qualitatif? Ils flottent dans les mêmes eaux que les Strokes (Swollen summer) ou Dandy Warhols en plus joyeux (Plublic service announcement). Les synthés sont parfois utilisés avec une voix volontairement en-dessous (Out of line) et on frôle carrément le revival années '80 avec l'intro de Honest mistake dont la basse renverrait presque à Blondie, voire le fort bon Unconditionnal, évoquant les vieux U2 période October (je sais, beaucoup de choses m'y font penser de ces temps-ci, sauf U2...)
De bonne facture, entraînant, comportant de vraies réussites, mais est-ce suffisant pour surnager plus que le temps d'un morceau ou l'autre dans l'océan de sorties du même genre? (M.)
Il semble que la voix principale sur Beautiful boys soit celle d'Anthony and the Johnsons. Sur Armageddon, c'est toute une bande qui a été convoquée pour faire les choeurs.
Pour les orchestrations, on a souvent de fort bonnes mélodies au piano (ou plutôt n'importe quel clavier pourvu qu'il ne sonne pas comme un Steinway) qui servent de gimmick souvent de toute beauté. mais les arrangement (surtout sur les voix) paraissent vraiment forcés.
On aurait pu avoir un album folk lisse aux mélodies époustoufflantes (South 2nd, Tekno love song) mais ce n'est pas leur démarche. C'est cependant quand c'est plus sobre que je préfère (South 2nd). Les déclamations poétisantes dans The sea is calm sont par contre vite énervantes.
On se retrouve dans une musique cocon, une boîte à musique franchement régressive. Par exemple, appeler une chanson Bisounours, il faut oser. Par contre, l'assortir d'un rap inepte dit en français par une énergumène à la Saez, elles auraient pu se retenir.
Musique définitivement hors du temps, à laquelle le bricolage ajoute un charme certain ainsi qu'un côté artificiel dont je ne démords pas. Je continue à y voir du pur procédé et ça me rend l'écoute d'une traite difficile. Recommandable cependant pour l'insolente évidence du sens mélodique de certains titres. (M.)
Au secours, je vois du Can partout. Même chez The Coral. Il faut dire que la rythmique de She sings the mourning est assez évocatrice de la période Soundtracks (Tango Whiskyman, des choses comme ça). L'album est bien lancé mais la suite n'aura, il faut bien le dire, rien à voir (sauf Far from the crowd). Pas du point de vue qualitatif heureusement. Des morceaux plutôt légers aux guitares tintantes (So long ago, The operator) qui sont légers et réjouissants et incitent a dandiner de la tête avec classe (c'est difficile mais avec un peu d'entraînement on y arrive).
Si la plupart des morceaux présentés m'évoque principalement les années '80 (le pourtant blurien A warning to the curious), on peut tout aussi bien retrouver un genre de Pink Floyd primitif (celui des singles que l'on retrouve su Relics par exemple), celui du milieu des années '60 (The Operator), voire les Kinks (Arabian sand).
Autant le dire, c'est dans la mélancolie que The Coral trouve le plus facilement ses marques (Far from the crowd, meilleur morceau haut la main) plutôt que sur des comptines faussement entrainantes (In the morning).
Véritables métronomes (quatrième album en quatre ans) The Coral nous propose une pop légère et accessible mais élaborée et fort variée pas vraiment inoubliable mais éminemment sympathique. (M.)
Pourquoi mettre un des morceaux les plus faiblards d'entrée? Please don't call me est un peu à la traîne niveau mélodie, même s'il annonce assez fidèlement les ambiances rencontrées au long de l'album. En effet, la voix trouve des chansons à sa convenance avec le Bumblebees qui suit. La plage titulaire évoque très nettement Mazzy star ou encore Hope Sandoval and the warm inventions. A savoir des ambiances bluesy et tristounes. Pour les plus mal dans leurs tête, la guitare me fait penser aux tout premiers Cardigans (époque, Life, tout ça...) ou les soli langoureux de Spain (Radar, Saddest song). Parfois, on s'emballe et les guitares saturées sont poussées à fond. C'est pas vrai, c'est pour voir si vous suiviez toujours. Le morceau le plus nerveux est un folk plus classique et à la Suzanne Vega (Open the door). Le tout se termine par un morceau très proche de Lisa Germano (My little fighter) période Geek the Girl. Ne cherchez pas autre part l'album de la paresse estivale de 2005, le voilà.
Reste que c'est etrêmement lent (New Orleans), et ne pourra s'écouter que dans des conditions d'humeur bien précise. Une alternative féminine à Spain. (M.)
On avait aimé le premier album, comportant un désormais classique des dancefloors, des morceaux apaisés et un superbe crescendo. Leurs copains de Scissors sisters ayant cartonné et remis New-York sur la carte de l'underground accessible, ils se devaient de répliquer avec justesse
Première satisfaction, les riffs new-oderiens (qui sévissent aussi sur le plus fade We need a war) de Just let go frappent bien où il faut.
Puis il faut attendre A kick in the teeth (qui reprend pas mal de gimmicks reconnaissables du premier opus) pour avoir une seconde raison de se réjouir avec ses (trop) jolies harmonies vocales et ces envolées de batterie synthétique bien convenues. On n'a que le bien qu'on se donne... Un petit sursaut sur Happy et puis, voilà, le meilleur est là.
Pour les plus nostalgiques, Ritz 107 évoque le Shouldn't have done that de Depeche mode et All we are le A forest de The Cure. Tout ça ne nous rajeunit pas...
Quoiqu'il en soit, cet album plaira à ceux qui ont apprécié le dernier Daan.
Plus pop, plus mélodique, plus immédiat, moins intéressant, voici le Fisherspooner nouveau (M.)
Si on doit absolument jouer au jeu des sept ressemblances, c'est un peu le chaînon manquant entre les Libertines et les Hives (nettement plus pop que ces derniers cependant). Ces garçons ont aussi beaucoup écouté l'immortel London Calling des Clash (Hounds of love qui en fait est une reprise de Kate Bush). On songe également aux premiers albums de Wire 25 ans après. Du post-punk haché dont l'intérêt augmente avec la tension (A to B, Meantime), quand les guitares se font plus clinquantes (Carnival kids) ou quand ils se risquent à orchestrer un morceau entièrement à la bouche (The dangers of waters). Finalement, le meilleur morceau est mis à la fin (Man Ray), comme pour nous remercier d'avoir écouté les quatorze précédents.
Ne fera pas date sans doute par la qualité moyenne mais l'énergie pop dégagée donnera aux amateurs du genre leur dose de bougeotte. (M.)
Sinon, on est en terrain connu pour ce qui est du reste. De la pastiche pure et dure (r-n-b) à la fausse chanson sentimentale (Sister et son hilarant refrain) en passant par toutes les fantaisies imaginables. En termes de textes s'entend comme des amours zoophiles (Monkey love), des scies musicales (Hit song qui sent fort la pastiche de Eminem) ou des déboires de la fumette (h-r-t). Musicalement, on est toujours dans le classique, voire le old-school. Ce sont donc bien de faux branleurs. Leur flow est assez accrocheur. Le mélange des voix marche malgré le nombre important de rappeurs (10 sur scène).
Si vous avez aimé le premier, vous allez aussi apprécier celui-ci puisqu'il est dans la droite lignée de l'opus précédent. Si vous ne comprenez pâs bien l'anglais, procurez-vous les paroles pour bien en profiter.
Je me suis vraiment amusé en écoutant cet album, ce qui est rare. C'est ce que je vous souhaite aussi. (M.)
Du rock progressif. Déjà on s'étonne. Instrumental. Là, on panique. Et on a tort. Car rien ne vaut l'absence de voix pour installer des climats, vu que l'enjeu du couplet-refrain-bridge n'a plus de sens. Ici, le côté austère de la pochette est encore renforcé par le nom des morceaux, qui sont juste des numéros de I à V.
Le I fait semblant de nous apaise, en nous inquiétant quand même. Et puis c'est le déluge, un peu comme si Angel Dust de Faith no more (on est sur le label de Mike Patton, d'ailleurs...) était un instrumental de 15 minutes.
Le II inquiéte plus par la qualité que par le climat. En effet, les guitares 'gothiques' ne sont pas du meilleur goût .
Le ùm:morceau poétiquement appelé III est apaise jusqu'à ce qu'une guitare vienen imprimer un tempo mais un peu comme si le groupe se laissait griser par cette apparition, comme si elle venait d'ailleurs. Le psychédélisme le plus classique, celui du Pink Floyd de Syd Barrett, un morceau comme Interstellar Overdrive pour fixer les idées de ceux à qui cette référence dit quelque chose. On a donc un psyché sombre et le mélange prend (enfin). Les meilleurs moments de l'album sont à venir, comme IV et son apaisement délirant (sisi) et V pour ses improvisations sur fond de musique tendue.
Si vous abordez la musique instrumentale dite post-moderne, je vous conseille tout de même plutôt le TNT de Tortoise, mais ceci constitue une
excelleente musique de fond si vous devez prendre les poussières de votre appartement gothique. (M.)
Des nouvelles du chapeau à cornes de Jamiroquai ? Non, bon alors parlons de l’album ?
Une fois de plus on y trouve exactement ce qu’on y cherche : des morceaux pop-funk (Feels Just Like It Should , dynamite, Black devil car), des grooves acid jazz downtempo sur lesquelles Jay K joue un peu plus de la voix (Seven days in Sunny June, Talulah, Loveblind), une machine à danser disco ((Don't) Give Hate A Chance, préparez vos jambes) et puis comme tout le monde un truc electro douteux (Electric mistress).
Jay K nous offre même une chanson triste au piano avec des violons (Benabar, je t’ai reconnu…).
On trouve donc à boire et à manger dans cet album sans que ce ne soit jamais déplacé, à l’exception de cette horreur électronique… Un album qui pourra servir aussi bien pour une soirée entre ami, que pour une fin d’après midi au soleil ou un réveil difficile.
Il ne révolutionnera peut-être pas la musique mais il vous fera danser autant qu’un album des Jackson 5, c’est certain ! (F.)
Il y a un peu de tout dans ce mélange aussi joyeux que pas rigoureusement indispensable. En effet, apres le premier et plutôt réussi Everyday I love you less and less, où les spectres de Clash et Wire s'entrecroisent et I predict a riot au couplet référant à Blur et au refrain également clashien (drôle de mélange), l'album montre des penchants pop plus affirmés de morceau en morceau (influence de Blur encore sur Team mate et What did I ever Give you), entrecoupés d'hymnes à beugler dans les pubs (Oh my god) ou juste crétins à la Stokes pas en forme (Na na na na na). Quand on aura évoqué le Kinks pour Honoured satisfaction et un clin d'oeil à Bowie sur Saturday night, on aura presque fait le tour. A part une embellie pour Born to be a dancer et les deux premiers titres, on concluera donc à une semi-réussite qui ne figurera pas dans les annales du rock. (M.)
Un acteur, une actrice peut se permettre la légèreté, parce qu'on n'exige pas l'univers singulier, la découverte et l'originalité. De toute façon, l'attention est attirée par la notoriété de l'interprète occasionnel.
La seule arme qui puisse tout de suite susciter la sympathie est l'auto-dérision, tellement simple et directe (voire la plage titulaire) que cette grande fille remporte d'emblée la partie. Qu'importent alors les rimes parfois naïves, la reprise dans un anglais aproximatif de Girls des Beatles (qui me rappelle un autre exercice similaire, celui de Julie Delpy en son temps) ou les titres énervants (Placebo), ce sont les bons côtés qu'on retient. Car il y a de jolies réussites. J'ai aimé qui sent la vraie vie, Vos condoléances qui touche même et apporte une gravité sous-jacente.
Donc au total, un exercice pas si vain que ça, sympathique dans le pire des cas. Une grande personnalité de la chanson française n'est peut-être née mais la légèreté sans niaiserie est une chose précieuse que Sandrine nous apporte donc ne nous en privons pas. (M.)
De toute façon, c'est en s'éloignant du modèle qu'on a les meilleures réussites (la plage titulaire d'ouverture et son crescendo martial, le très garage Murdermile).
Le tout semble encore plus nu, plus énervé, plus dépuoillé. Cette démarche minimaliste est ce qui force le plus le respect (At the back of the shell, Ticket Man).
Une balance qui penche en leur faveur même si la connaissance de ce que fait PJ Harvey (soumettez les gens au blind-test sur Rodeo Town ou Dead road 7 et tout le monde tombe dans le panneau) déprécie énormément les qualités intrinsèques du duo (même si la chanteuse est beaucoup plus jolie que l'amie Polly Jean). (M.)
Mais les temps ont beaucoup changé par rapport à la fin du siècle dernier. Les compositions propres, linéaires non inspirées par les années '80 ne sont plus en vogue. Mais qu'importe, ils arrivent avec un coeur gros comme ça (ils ne se laissent jamais aller à la balade par exemple) qui nous fait regretter en toute objectivité le relatif manque de folie et d'originalité du propos. Si l'attente d'un prochain album de Muse ou Placebo vous est insupportable, voici de quoi patienter en attendant des jours meilleurs. (M.)
Cette fois, c'est le versant new-wave à tendance froide avec des voix féminines éthérées qui nous est proposé. Un peu comme les tout premiers Dead can dance par exemple. Ce genre était clairement tombé en désuétude. On peut donc se réjouir partiellement. se réjouir parce que remettre au goût du jour une version pop des débuts des Cranes (c'est flagrant sur l'intro de Sugar) ou encore Siouxie and the Banshees c'est toujours un plaisir et que des titres comme International dateline ou Destroy everything you touch sont vraiment très réussis. Ce plaisir est quand même mitigé par uen certaine uniformité malgré un apport de guitares plus présentes sur cet album et une très nette impression de déjà entendu. Car c'est un album clairement dans la lignée des précédents pour Ladytron. Pour ce qui est des variations internes, on passe du vraiment éthéré (White light generation) à du plus électro qu'à l'époque (Soft power), voire plus martial (Fighting in built-up areas chanté dans une langue non identifiée par votre serviteur à l'heure qu'il est - indice: une des chanteuses est Bulgare). Donc si vous avez envie de spleen léger et mélodique, vous pourrez trouver votre intérêt chez ce genre de Stereolab gothique. (M.)
Les bons albums commencent souvent bien. Ce n'est pas le cas pour celui-ci, qui sert de terrain de jeu au responsable du label DFA (The Rapture). Passez le trop convenu Daft punk is playing at my house. Les choses sérieuses ne commencent qu'avec Tribulations.
La référence qui me vient le plus vite à l'esprit est Death in Vegas, pour le changement radical qui s'opère parfois d'un morceau à l'autre. On peut ansi passer d'une giclée de rage (Movement) datée début seventies à une ballade légèrement psychédélique telle que la pratique encore Wilco de nos jours ou encore à une électronique entêtante (On repeat tient finalement bien sur la longueur), voire à un titre funk (le pas convaincant disco infiltator).
Un poil plus cérébral que les Chemical Brothers, presque aussi généraliste que Death in Vegas, ce court album se révèle plus plaisant et varié que vraiment inoubliable. Par contre, les remixes proposés en bonus sont en fait l'intégralité du premier E.P. Et là, on frôle souvent l'extase, mais c'est une autre histoire...(M.)
Ainsi donc le live au spectrum n'aurait jamais dû se trouver dans les bacs du vieux continent. On comprend mieux dès lors la sortie moins dicrète de cet ambitieux live.
On entend que le public est fort motivé (voir le final En tête à tête) et, pour l'avoir éprouvé, c'est assez proche de la réalité
Les titres du dernier album, plus intimistes, semblent bien moins être adaptées aux brasiers qu'étaient les concerts de M. Si certaines longues versions amènent cepandant de l'intérêt (Peau de fleur), paradoxalement, c'est confortablement assis chez soi (ou chez les autres) qu'on en profite le mieux. De plus, les intermèdes musicaux peuvent être zappés, avantage inconstestable de l'enregistrement. Mais le calme relatif qui se dégage de cet exercice pâtit de la comparaison avec le live officiel précédent (Le Tour de M) qui profitait d'une batterie de brûlots (Machistador, Le complexe du Corn flakes) défendus avec brio. Si la ressemblance entre les pochettes vous a fait acheter Le tour de M à la place de celui-ci et que vous ne l'aviez pas encore, vous avez fait une bonne affaire. Ce live se révèle superflu si vous avez le précédent et le dernier album studio en date. Allez plutôt le tester en vrai live... (M.)
Est-ce un hasard si un tel album pétillant revient avec les (tardifs) beaux jours? Sans doute, l'agenda des sorties des maisons de disques ne devant pas être fort tributaire des variations atmosphériques.
De petits instantanés pop (Postcards of a painting - I want you to stay - The night I lost my head) parsèment cet album, qui accueille également des morceaux plus ambitieux et touffus (Graffiti) utilisant l'orgue farfisa comme certains groupes comme The Inspiral carpets en leur temps. D'autres références pourraient être les premiers Blur par exemple (Signal & sign) ou des Hives tout doux (ce qui semble assez difficile à imaginer en soi...), voire The Strokes avec un son moins râpeux (Once a glimpse).
En dépit de la sympathie immédiate sucitée par ce rock volontairement joyeux et sautillant, l'uniformité s'installe à la mi-album et n'est tempérée que par un morceau réminiscent de Atmosphere de Joy division (Acrobat), avec une façon de parler qui évoque les premiers Pulp pour terminer dans des guitares éthérées (Blue aeroplanes? Flying saucer attack?).
si vous avez besoin de petites capsules de bonne humeur, Maximo park sera en mesure de vous pourvoir. Mais utilisez une posologie limitée pour ne pas perturber par une certaine uniformité le plaisir simple et ténu. (M.)
PS: Pour ceux qui seraient intéressés, ils sont confirmés pour le Pukkelpop.
La limite entre la gentillesse et la niaiserie est mince. Celle entre la douceur et la mollesse l’est tout autant. Force est de constater que les Nada Surf sont ici tombé du mauvais côté. En effet, cette galette ne les fera malheureusement pas sortir de la deuxième division.
Cet ensemble de balades pop-rock est fort convenu dans l’ensemble, là ou des Weezer arrivent encore à nous surprendre. L’écoute est évidemment très facile mais arrivé à la fin du disque aucun grand moment ne revient à l’esprit et ne donne envie de repousser sur « play ». On conservera donc notre image de gentils garçons francophiles de Nada Surf et on attendra une œuvre plus significative avant de s’extasier.
Nous sommes en 2006 et il est temps d’en finir avec les albums de 2005. Nous sommes en 2006 et certains semblent-ils ne l’ont pas encore réalisé. Voilà ce qu’on pense en écoutant l’album des Rasmus. En effet, cette soupe à un sacré goût de nineties, un mauvais goût de début des nineties. On a l’impression d’assister à une collaboration entre un Jon Bon Jovi au chant et au texte, Metallica à la batterie et la guitare et Evanescence pour le côté faussement « corbeau » et les costumes. Pire ça ressemble parfois à un tribute à Alice Cooper…
On se consolera cependant en se disant que pendant que nos petites sœurs écoutent ce rock FM, elles ne tombent pas dans les drogues dures, Kyo et Star Academy en tête.
Musicalement, on est dans des eaux d'un rock blues alternatif et léger. Mais pas furieux ni âpre. Parfois relevé d'un cuivre discret (Now that it's long over qui décolle véritablement), voire un violon qui souligne une petite douceur (Dans le vert de ses yeux). Car la variété est aussi au rendez-vous, balançant de ce que ferait Shivaree (souvent proche mais je préfère Brisa de loin) s'ils se lachaient en ayant trop bu à un arage sixties pré-punk (Helmet). Les chansons sont rendues attachantes par le don mélodique de cette Roché.
Si l'album est plutôt long (21 titres), il respire grâce à ses intermèdes mais souffre aussi de certains morceaux trop semblables. Notons finalement que quand elle s'exprime en français c'est plutôt réussi puisque la sensualité qui émane d'elle n'est pas courante dans notre langue. Je confie donc à votre attention cette petite friandise plus vénéneuse qu'il n'y paraît. (M.)
"Le verre d'eau qui désaltère de l'alcool". L'expression est du sulfureux Pierre Louÿs dans un contexte inavouable. Mais dans le flot ininterrompu de recherche de la bombe absolue, il est bon d'avoir une pause hors du temps.
Ayant commis un petit tube (Goodnight moon) puis s'étant fait malgré tout jeter de sa maison de disque, Shivaree nous reviennent et on les accueille volontiers.
Si l'ambiance générale est lente, mes préférences vont tout de même dans les morceaux plus mid-tempo comme Little black mess et I close my eyes.
L'atout majeur de Shivaree reste la voix unique de la chanteuse, du sur mesure popur ces comptines désabusées. Elles porte toute la languer du monde à fleur de bouche.
Ne vous y trompez pas, c'est en tant que distraction que cette musique est précieuse. Elle dégage un parfum trop volatil pour rester durablement après écoute.
Léger et sucré, voilà ce qu'il vous faut pour reposer vos oreilles. Et je n'échangerais pas mon baril de Shivaree contre un de Norah Jones (pour reprendre un exemple recueuilli de femme pas en colère). (M.)
Mais ici la qualité est fort élevée, et l'intensité s'intalle dès le premier morceau. Mais pas nécessairement à la première écoute, ce qui est la caractéristique des groupes subtils sans être obscurs. Le refrain du morceau introduction (The beast and dragon, adored) semble tiré du Bowie de la période Space oddity mais les guitares sont encore plus bruitistes que le seront celles de Mick Ronson pour le thin white duke. Une autre référence s'impose aussi: celle de Jack sur le très bon The two sides of monsieur Valentine. Le reste fait dans le funk blanc et froid (I turn my camera on), voire Un rock presque garage seventies exécuté avec beaucoup de légèreté (Sister Jack, I summon you). Mais la marque de fabrique reste l'utilisation de guitares dans des délires sonores à la Can (My mathematical mind) ou plus bruitistes (The delicate place).
A force de réécouter cet album afin de voir ce qu'il avait dans le ventre, il s'est établi une connivence. Et finalement, c'est avec enchantement qu'on réécoute le tout. Un bon album alors? C'est exactement ça. (M.)
En effet, The Rakes pratiquent un post-punk assez aguichant qui peut évoquer à ce titre les premiers Wire (The guilt, Retreat, Work work work (pub, club, sleep)). Mais bon, quelques écoutes ne m'on pas permis d'en faire (comme certains) une oeuvre majeure. Même si des morceaux comme Open book ou Terror! sont assez au-dessus de la production anglaise moyenne du moment. Finalement, le seul défaut de cet album, c'est de passer après le fantastique Silent Alarm de Bloc party (leurs copains). La voix heureusement est suffisament différenciée pour que We are all animals (très chouette) ne sente trop le déjà entendu.
Mais il faut reconnaitre que ça devient plus intéressant quand un peu de synthé vient égayer le tout (Binary love, T bone), donnant le supplément d'originalité qui fait mouche.
Pour avoir critiqué par paquets les nouveaux groupes anglais cette année, il s'agit d'une des plus digestes et enthousiasmantes productions du genre. Si la bande à Kere Orekere vous a laissé un goût de trop peu, voici le complément qu'il vous faut. (M.)
Au final, un album agréable à l'écoute, plus fouillé qu'il n'en a l'air et contenant un moment de pure nervosité. (M.)
A la première écoute, l'esprit Suede est tellement présent que je ne vois pas l'intérêt d'avoir changé le nom du groupe. Mais rien ne retient l'attention, même si les recettes qui faisaient le succès du défunt groupe: ces ambiances à la David-Bowie-goes-Britpop sont bien là.
Et puis, à force d'acharnement, on se surprend à trouver ça bien composé, bien exécuté (Autograph, Imperfections, Lovers), même s'il n'y a vraiment rien de neuf comparé à un album comme Coming up de Suede par exemple. Ce n'était pas le but mais ce ne sont qu'un paquet de chansons qui font toujours de l'ample, du tarabiscoté. Si certains chansons diluent l'intérêt (Two creatures - The asylum), la voix toujours aussi singulière de Brett Anderson et la personnalité des morceaux plus langoureux (The ghost of you, Co-star) emportent la mise. Au long des les écoutes néanmoins, on ne s'est pas fait rouler, on a découvert de nouvelles chansons de Sued.. Heu, The Tears quoi... Et c'est déjà ce de pris pour les fans. Et c'est une occasion de ratrappage pour les autres.
Vous êtes en droit de penser que cette critique est bien indigente pour vous faire un avis. Ca peut pas marcher à tous les coups non plus... (M)
Disons-le tout de suite, le quatrième album de Vive la fête marque une certaine stagnation. En effet, malgré quelques réussites manifestes (La vérité), le reste se fond dans une certaines uniformité, comme si le pilote automatique avait été branché du début à la fin. Du côté des inspiration, on ira chercher du côté du The Cure de A forest (1980 quand même) pour le son de batterie (La vérité, Petite putain, Sabrina, Claude François), chez le Visage de Fade to grey (Exactement), voire, et c'est moins glorieux, chez Ca plane pour moi (Tu connais la dernière).
Il va de soi que les paroles de Vive la fête n'ont jamais fait dans la recherche mais là, les paroles de Claude François, Chauve-souris ou Non-stop sont quand même au-delà de la naïveté charmante.
Moins varié que Attaque surprise, moins inventif électroniquement que Nuit blanche, le quatrième album de Vive la fête assure le minimum pour un public déjà conquis. Pas assez varié, il reste néanmoins une valeur sûre dans cette catégorie d'electro-pop. L'avenir nous dira si c'est passager ou s'ils ont moins à nous dire. (M.)